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Kritik: „The Red and the Black“ ist üppig, aber sicher

PARIS — „The Red and the Black“, Pierre Lacottes prächtige Neuinszenierung für das Pariser Opernballett, die am Samstag im Palais Garnier eröffnet wurde, enthält viele Widersprüche dieser Tanzkompanie.

Die Truppe, die derzeit von Aurélie Dupont geleitet wird, ist die erste Heimat des professionellen Balletts. Seine Tänzer verfügen über eine fein verfeinerte klassische Technik und eine stilistische Einheit, die durch eine strenge Ausbildung an der Pariser Opernballettschule erreicht wurde, aus der fast alle Tänzer stammen.

Aber in den letzten 30 Jahren – abgesehen von einem kurzen Moment während der zweijährigen Amtszeit von Benjamin Millepied – hat die Compagnie die meisten ihrer großen kreativen Aussagen durch Aufträge von zeitgenössischen Tanzchoreografen gemacht, wobei ihr klassisches Repertoire fest aus dem Kanon des 19. „Schwanensee“, „La Bayadère“) oder Märchenballette des 20. Jahrhunderts („Romeo und Julia“, „Eugene Onegin“).

„The Red and the Black“, das erste neue abendfüllende, erzählerische klassische Ballett der Compagnie seit einem Jahrzehnt, ist ein peinlicher Beweis für all dies. Der 89-jährige Lacotte ist bekannt für seine Nachbildungen von Balletten der Romantik, insbesondere „La Sylphide“; weniger für seine ursprüngliche Choreographie. Er ist kaum ein offensichtlicher Kandidat für eine große, teure Neuproduktion, aber die Wahl weist auf die Tendenz des Pariser Opernballetts hin, auf ehemalige männliche Etoiles (Jean-Guillaume Bart, Kader Belarbi, Nicolas Le Riche) zurückzugreifen fühlt sich an wie ein grundsätzliches Desinteresse an neuem Ballett.

Nach einer leicht verständlichen Zusammenstellung von Musik von Massenet und basierend auf dem Roman von Stendhal aus dem Jahr 1830 ist „Die Roten und die Schwarzen“ ein altmodisches, 200-minütiges Kostümdrama in drei Akten die Anleihen sowohl bei den Ballettballetten des 19. Ein paar eingefügte Filmsequenzen erinnern an zeitgenössische Erzählweisen.

Zu den Charakteren gehören ein Held, zwei Priester (einer fürsorglich, ein böser), zwei Heldinnen (ein Heiliger, eine Füchsin), ein rachsüchtiges Dienstmädchen und ein massives Corps de Ballet, das Bauern, Aristokraten, Seminaristen und The Populace verkörpert. Es steht im Mittelpunkt des Geschichtenballetts, und wenn es Ihnen egal ist, dass es nur eine skizzenhafte Wiedergabe von Stendhals komplexer und psychologisch kluger Darstellung des Frankreichs des frühen 19. Jahrhunderts ist, ist es nicht ohne einige Freuden.

Die wichtigsten sind das Dekor, das auf schwarz-weißen Stichen des 19. Jahrhunderts basiert, und die exquisit gefertigten, kunstvollen Kostüme, die alle von Lacotte entworfen wurden. Am Samstag sah es nach einem weiteren Vergnügen aus, Mathieu Ganio als Julien Sorel zu präsentieren, den intelligenten und ehrgeizigen Sohn eines Zimmermanns, der erfolgreich durch eine starre (und letztlich hartnäckige) soziale Hierarchie aufsteigt, bevor seine Vergangenheit ihn untergräbt.

Aber Ganio, der über die feingliedrige Sensibilität verfügt und die in sich gekehrte Launenhaftigkeit ausstrahlt, die Stendhal in seinem Helden beschreibt, wurde offenbar schon früh im Ballett verletzt; Nach etwa einer halben Stunde taucht plötzlich der Solist Florian Magnetet in der Rolle auf.

Alles in allem hat Magnetet hervorragende Arbeit geleistet. Ursprünglich gegen Ende des Laufs geplant, hatte er wahrscheinlich noch keine Bühnenprobe gehabt und hätte auch nicht mit den beiden Hauptdarstellerinnen des Balletts an den vielen schwierigen Pas de deux gearbeitet. Bravo für ihn, dass er es einfach überstanden hat.

Ganio und Myriam Ould-Braham bei den Proben. Am Eröffnungsabend sprang der Solist Florian Magnetet für Ganio ein. Kredit. . . Svetlana Loboff

Hätte Ganio Julien, einem romantischen Helden des Balletts, mehr Komplexität verleihen können? Lacotte konzentriert sich weiterhin auf Juliens aufeinanderfolgende Romanzen mit Madame de Renal (Amandine Albisson), der sanften Frau des Dorfbürgermeisters, und Mathilde de la Mole (Myriam Ould-Braham), einer Wespenaristokratin. Dies reduziert eine komplexe Handlung voller Ideen über Politik und Gesellschaft zu einer romantischen Tragödie mit einer eher unklaren Erzählung.

Auch wenn man das Buch gelesen und die (sehr lange) Inhaltsangabe sorgfältig studiert hat, bleiben viele Handlungspunkte im Dunkeln. Meistens fühlt sich die Handlung entweder zu hektisch an, mit ständig wechselnden Szenen (und erfolglosen stillen Übergängen dazwischen) oder zu langatmig.

Die Erzählung endet für endlose Variationen in den Akten 1 und 3 und für einen Großteil des zweiten Akts, als ein ziemlich urkomisch grimmiger Haufen schwarz gekleideter Priesteranwärter sich gegenseitig dramatisch hochhebt und trägt, bevor sie zu Boden fallen, während Julians Beschützer, der Abbé Chélan (Audric Bezard), unterstützt ihn in einem seltsam homoerotischen Pas de deux.

Es gibt mehrere heiße Schlafzimmerbegegnungen (eine Anspielung auf Kenneth MacMillans „Manon“), Besuche und Erinnerungen (an einer Stelle schwebt Albisson wie einer der Willis aus „Giselle“ über die Rückseite der Bühne) und Gesellschaftsszenen voller alter -modische Divertissements, die keinen dramatischen Grund haben.

Lacotte findet keine choreografischen Entsprechungen für die komplizierten Motive, die Julian dazu bringen, seine Ambitionen zu verfolgen, oder für die Gefühle der Frauen, die sich in ihn verlieben, oder scheint sie anzustreben. Die Oberflächlichkeit der Handlung wird nicht von den Tänzern der Pariser Oper unterstützt, die wunderschön tanzen, aber eher Emotionen zeigen als handeln. Albisson ist edel tragisch; Ould-Braham ist ein Luder; Valentine Colasante in der undankbar übertriebenen Rolle der Zofe Elisa ist entschlossen verzweifelt.

„The Red and the Black“ ist optisch opulent und choreographisch unauffällig. Vielleicht kommt es dem Publikum beruhigend bekannt vor, im Gegensatz zu den beiden neuen abendfüllenden Balletten, die gerade in London uraufgeführt wurden; Wayne McGregors „The Dante Project“ für das Royal Ballet und Akram Khans „Creature“ für das English National Ballet. Die britischen Stücke, die ebenfalls auf literarischen Werken basieren, sind im Geiste entschieden zeitgenössisch, mit sehr unterschiedlichen Aussagen darüber, was ein abendfüllendes klassisches Ballett sein könnte.

Ein Unternehmen sollte sich nicht für den einen oder anderen Ansatz entscheiden müssen. Aber warum ist das Pariser Opernballett so offen für Experimente im zeitgenössischen Tanz und doch so langweilig konservativ in Bezug auf Ballett? Es bleibt ein Rätsel.

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