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Pailletten und Seelensuche in der Wettkampftanzwelt

Im Frühjahr brachte Siara Fuller, die künstlerische Leiterin der Charlotte Performing Arts Academy in North Carolina, eine Gruppe von Studenten zu einem Tanzwettbewerb nach Fort Mill, SC. ​​Es war in vielerlei Hinsicht ein ganz normales Wochenende in der außergewöhnlichen Welt von Wettkampftanz: Hunderte von jungen Tänzern versammelten sich in einem Kongresszentrum, zogen glitzernde Kostüme und riesige falsche Wimpern an und präsentierten einer Jury mit Spucke polierte Routinen. (Wegen Covid-19 sind die Tänzer mit Gesichtsmasken ausgestattet.)

Aber ein Moment von diesem Wochenende nörgelt an Fuller, die wie die meisten ihrer Schüler Black ist. Neun ihrer Tänzer führten ein Jazzstück zu Beyoncés „Crazy in Love“ auf, das Fan-Kicks und Pirouetten enthielt – Markenzeichen des kompetitiven Jazz – und gleichzeitig, wie Fuller es beschrieb, „ein bisschen funky wurde. ” Die Nummer hatte bei anderen Veranstaltungen gut gepunktet. Aber dieses Mal gab ein weißer Richter eine niedrige Punktzahl, da es an „technischen“ Elementen mangelte.

„Wir hatten alles, was Sie brauchen könnten“, sagte Fuller. „Aber weil wir damit grooviger waren, denke ich, dass es in den Augen des Richters eher zu Hip-Hop wurde. Und ich dachte: Wenn wir neun weiße Mädchen auf dieser Bühne gehabt hätten, die das Gleiche tun, hätten wir dann den gleichen Kommentar bekommen?“

Fuller wuchs mit Tanzwettbewerben auf. Wie viele „Comp-Kids“ genoss sie die Erfahrung und bringt ihre Schüler jetzt zu mehreren Wettbewerbsveranstaltungen pro Jahr. Sie erkennt aber auch die Notwendigkeit des Wandels in dieser lukrativen, einflussreichen Branche, deren helles Licht Diskriminierung, Exklusivität und sogar Missbrauch verbergen kann.

„Ich sehe, wie sehr meine Kinder von diesen Veranstaltungen profitieren“, sagte Fuller. „Aber manche Wettbewerbe haben sich in 15, 20 Jahren überhaupt nicht entwickelt. ”

Tanzwettbewerbe – und Konventionen, die Workshop-Klassen mit prominenten Lehrern anbieten, oft in Verbindung mit Wettbewerbsveranstaltungen – entstanden erstmals in den 1970er Jahren. Seitdem haben sie eine unverwechselbare, verführerische Subkultur hervorgebracht, die die harte Athletik des organisierten Sports mit dem Präsentationsflair der Performance-Kunst vermischt.

Szenen des New York City Dance Alliance-Wettbewerbs in Orland, Florida, im Juli

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Die Talent Factory in Rhode Island führt „Heroes. ”

Kredit. . . Zack Wittman für die New York Times

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    Die Talent Factory in Rhode Island führt „Heroes. ”

    Kredit. . . Zack Wittman für die New York Times

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    Mary Alices Tanzstudio in New York performt „When My Time Comes Around. ”

    Kredit. . . Zack Wittman für die New York Times

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    Tänzerinnen aus Atlanta performen „Nonstop. ”

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    Die Teilnehmer feuern ihre Mittänzer aus dem Publikum an.

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    Tänzer aus dem Dance Depot in Idaho reagieren auf den Gewinn des Teen Critics Choice Award.

    Kredit. . . Zack Wittman für die New York Times

„Denken Sie manchmal an die Fußballliga Ihres Sohnes, einschließlich der Ganzkörperwirkung“, sagte Jason Williams, ein Tänzer aus der Unterhaltungsindustrie, der als Student an Wettbewerben teilnahm und häufig zurückkehrt, um zu unterrichten und zu choreografieren. „Kombiniere das mit einem Schönheitswettbewerb. Gehen!“

Seit Jahrzehnten wird die Branche wegen ihrer ausschließenden Kosten, ihres Umfelds mit hohem Druck und der Sexualisierung von Kindern kritisiert. In letzter Zeit sind die Rufe nach Veränderung jedoch breiter und tiefer geworden und umfassen Fragen der Rasse, des Geschlechts und des räuberischen Verhaltens. Und viele der heutigen Kritiker sind junge Studiodirektoren und Mitglieder der Kongressfakultät – Künstler, die in dieser Welt aufgewachsen sind, sowohl ihre Macht als auch ihre Probleme miterlebt haben und verstehen, wie man soziale Medien nutzt, um Alarm zu schlagen.

„Wir möchten diese Unternehmen für den Schaden verantwortlich machen, den sie bewusst oder unbewusst anrichten“, sagt Cat Cogliandro, Tänzerin und Choreografin, die auf mehreren Kongressen unterrichtet. „Wir wollen, dass sie das Geld zur Seite legen und die Menschlichkeit an die Front. ”

Wenn Sie die kompetitive Tanzwelt nur durch „Dance Moms“ kennen – die Reality-Show von Lifetime, die jetzt ein Jahrzehnt alt ist und paillettenbesetztes Drama dem Sportsgeist vorzog – könnte es leicht sein, es abzutun. Bis vor kurzem betrachteten viele Mitglieder der akademischen und konzertanten Tanzwelt die Theatralik der Wettkampftänzer mit einem großen Lächeln mit einer Mischung aus Verwirrung und Hohn. „Vor zehn oder 15 Jahren gab es dieses Gefühl: ‚Wo kommst du her? Du machtest was?’“, sagte Karen Schupp, eine ehemalige Wettkampftänzerin, die jetzt außerordentliche Professorin für Tanz an der Arizona State University ist.

Aber da Wettkampfveranstaltungen an Größe und Reichweite gewachsen sind, sind sie zu einem wichtigen Teil des Tanz-Ökosystems geworden. Sie können Tänzer von großer Vielseitigkeit und Virtuosität schmieden, und heute sind Alumni in den Reihen von Elite-College-Tanzprogrammen, renommierten Tanzkompanien und lebhaften Hollywood-Projekten vertreten. Der New York City Ballet-Direktor Tiler Peck, der Star des Alvin Ailey American Dance Theatre, Jamar Roberts, und fast alle Gewinner von Fox’ „So You Think You Can Dance“ kamen bei Tanzwettbewerben hervor. Britney Spears und Beyoncé taten es auch.

Viele Wettbewerbe und Kongresse touren in kleine Städte im ganzen Land und tragen dazu bei, jungen Leuten den Tanz näher zu bringen, die sonst vielleicht wenig damit zu tun haben. Und sie bieten den Schülern Möglichkeiten, Gemeinschaft zu finden und berufliche Verbindungen zu knüpfen.

„Wir kommen aus einem pro-pädagogischen Ort“, sagt Joe Lanteri, der Gründer der New York City Dance Alliance, der hier im Juli bei einem Wettbewerb in Florida gezeigt wurde. Kredit. . . Zack Wittman für die New York Times

„Wir kommen aus einem bildungsorientierten Umfeld“, sagte Joe Lanteri, der Gründer der New York City Dance Alliance, die eine angesehene Convention und eine Stiftung betreibt, die College-Stipendien anbietet. „Tänzer haben die Möglichkeit, ihr Handwerk zu verfeinern, aufzutreten, die Kollegen kennenzulernen, die am Ende mit ihnen vorsprechen werden, und die Berufstätigen der Fakultät zu treffen. ”

Geld ist jedoch ein treibender Faktor. Tanzwettbewerbe und -kongresse sind größtenteils gewinnorientierte Einrichtungen, und die Teilnahmegebühren und die damit verbundenen Kosten können jeden Teilnehmer Tausende von Dollar pro Jahr belaufen. Obwohl zuverlässige Informationen über diese diffuse und unregulierte Branche schwer zu bekommen sind, ergab ein Bericht des Forschungsunternehmens IBISWorld, dass im Jahr 2012 allein Tanzwettbewerbe fast 500 Millionen US-Dollar Umsatz generierten. Mit der häufigen Einführung neuer Veranstaltungen ist diese Zahl mit ziemlicher Sicherheit gestiegen.

Während der Pandemie nahmen diese Zahlen einen Sturzflug ab. Lanteri schätzt, dass in einem typischen Jahr etwa 20.000 Tänzer an Veranstaltungen der New York City Dance Alliance teilnehmen; in der Saison 2020/21 verzeichnete er trotz einer teilweisen Umstellung auf virtuelle Veranstaltungen einen Verlust von 50 Prozent. (Mindestens ein Covid-19-Ausbruch war mit einem persönlichen Tanzwettbewerb verbunden.)

Dieser Moment finanzieller Verwundbarkeit fiel mit einer Welle der Selbstreflexion in der größeren Tanzgemeinschaft zusammen, die durch wachsende Bewegungen für soziale Gerechtigkeit ausgelöst wurde. Während die Wettbewerbs- und Kongressbranche nach einer Pandemie-Abschaltung nach einem Weg zurück zum Vollbetrieb und zur Rentabilität sucht, sehen ihre Kritiker einen günstigen Zeitpunkt für einen Wandel.

Cogliandro, der sie/sie-Pronomen verwendet, ist einer der Leiter von Dance Safe, einer Organisation, die Überlebende von Missbrauch im Tanz unterstützt. Sie sagten, dass sie häufig Berichte über die Pflege und sexuelle Ausbeutung von Schülern in Wettbewerbs- und Kongressumgebungen hören, wo Lehrer und Richter übergroße Macht ausüben und sehr junge Tänzer oft aufgefordert werden, provokative Choreografien aufzuführen.

Selbst nach einem Vorfall im Jahr 2010, bei dem virales Filmmaterial von Mädchen vor der Pubertät, die eine anzügliche Wettkampfroutine ausführten, zu öffentlichem Aufschrei führte, findet man immer noch 8-Jährige in Bikinis auf Wettkampfbühnen. Und das Umfeld der Szene mit hohen Einsätzen und wenigen Regeln kann unangemessene Interaktionen zwischen Studenten und älteren Autoritätspersonen fördern. Eine kürzliche Klage, in der ein ehemaliger Kongresslehrer, Mitchell Taylor Button, beschuldigt wird, junge Tänzer missbraucht zu haben, hat das Thema erneut ins Blickfeld gerückt.

„In der Grundschule würde ein Lehrer niemals einem Kind aus seiner Klasse eine SMS schreiben, warum ist es also in Ordnung für einen Konventionslehrer, das zu tun?“ sagte Cogliandro. „Die Grenzen sind so verschwommen. ”

Kritiker hinterfragen auch die Art und Weise, wie Wettbewerbe und Konventionen mit dem Geschlecht umgehen, ähnlich wie bei Schönheitswettbewerben. Bei den meisten Veranstaltungen werden die Teilnehmer in männliche und weibliche Kategorien eingeteilt, und Kongressklassen teilen die Schüler oft nach Geschlechtern in Gruppen auf. Obwohl dies nicht nur für Wettbewerbe und Konventionen gilt, sind dies dennoch komplizierte Szenarien für nichtbinäre und transgender-Studenten.

Breanna Myers, links, Tanzkünstlerin und Therapeutin; und Hayden J Frederick, Tänzerin und Choreografin, sind Dozenten der Embody Dance Conference, die darauf abzielt, eine sicherere und integrativere Tanzgemeinschaft zu schaffen. Kredit. . . Lila Barth für die New York Times

„Sie vermischen alles“, sagte Hayden J Frederick, ein Transgender-Tänzer, Choreograf und Lehrer. „Die Choreografie, die Kostümierung, die Preisverleihungen, sogar im Unterricht – ‚Jungs machen es so, Mädchen machen es so‘ – alles ist binäres Denken. ”

Einige der dringendsten Reformkampagnen betreffen die überwältigende Weiße der Branche. Williams, der ein Schwarzer ist, hat sich zu einem Vorreiter bei den Bemühungen entwickelt, rassistische Ungleichheiten bei Wettbewerben und Kongressen anzugehen. „Sie gehen zu diesen Veranstaltungen und die meisten haben fast keine schwarzen Kinder“, sagte er, „und keine schwarzen Lehrer. ”

Für Farbstudenten kann dieser Mangel an Vielfalt entfremdend sein. Christian Burse, eine begabte 17-jährige schwarze Tänzerin, die diesen Herbst eine Ausbildung bei Complexions Contemporary Ballet absolvieren wird, sagte, sie schätze die Fähigkeiten und Verbindungen, die sie bei Wettbewerben und Kongressen aufgebaut habe. Aber sie erinnert sich an die Orientierungslosigkeit, die sie bei ihrem ersten Convention-Kurs empfand: „Ich war 9 Jahre alt, als ich diesen großen Raum betrat und dachte: ‚Warum bin ich hier die einzige Person, die so aussieht wie ich? Darf ich überhaupt in diesem Raum sein?’“

Dozenten und Mitarbeiter bei diesen Veranstaltungen sind zu Themen wie impliziter Voreingenommenheit bei der Bewertung und kultureller Aneignung in Wettbewerbschoreografien lauter geworden. (In der Zeitschrift Dance Teacher beschrieb der Broadway-Tänzer und Wettbewerbsrichter Richard Riaz Yoder eine Hip-Hop-Routine, die von weißen Tänzern aufgeführt wurde, als „modernes Blackface“.) Aber ihre Bedenken zu äußern bedeutet oft, ihren Job zu riskieren.

Eine der wenigen Farbigen in einer Führungsrolle in der Branche ist Sonia James Pennington, eine Gründerin des National Dance Showcase-Wettbewerbs. „Ich beobachte, wie farbige Studioregisseure zu einer unserer Veranstaltungen kommen und sehe, dass ich Afroamerikaner bin, und es gibt ein Gefühl von: ‚Ich kann ausatmen‘“, sagte sie. „Wenn wir Vielfalt auf allen Ebenen normalisieren könnten, würden alle davon profitieren. ”

In letzter Zeit haben einige etablierte Wettbewerbe und Kongresse kleine Schritte nach vorne gemacht. Break the Floor Productions, das einige der größten Events der Branche veranstaltet, hat eine YouTube-Bildungsreihe gestartet, die schwarze Tanzkünstler hervorhebt. Die Trophäen für die Gewinner des nationalen Wettbewerbs der New York City Dance Alliance erwähnen kein Geschlecht mehr. Eine groß angelegte Reform scheint jedoch in weiter Ferne zu liegen.

Dieser langsame Wandel hat Olivia Zimmerman, 23, dazu gebracht, die Embody Dance Conference zu entwickeln. Ab diesem Wochenende zielt die neue Tanzkonvention – deren Wettbewerb im nächsten Jahr debütiert – darauf ab, „eine sicherere und integrativere Tanzgemeinschaft zu schaffen. ”

Zimmerman wuchs bei Wettbewerben und Kongressen auf und arbeitete als Wettbewerbsleiter für ein Tanzstudio. Embody, die als ihre College-Arbeit begann, ist durch und durch ehrgeizig. Die Veranstaltung an diesem Wochenende im Foxwoods Casino in Connecticut bietet Seminare für Tänzer zu Antirassismus, psychischer Gesundheit und Gender. (Der TikTok-Tanzstar Charli D’Amelio wird die Auswirkungen von Social Media auf die psychische Gesundheit diskutieren.) Cogliandros the Dance Safe wird Workshops leiten. Die Klassen werden die Schüler nicht nach Geschlecht aufteilen, und die Teilnehmer geben ihre Pronomen an. Für Tänzer mit Behinderungen werden Unterkünfte geschaffen.

Die Fakultät wird Transgender-Künstler umfassen, darunter Frederick; mehrere Farbige; und Fachleute für psychische Gesundheit, darunter die Tanzkünstlerin und Therapeutin Breanna Myers. Und – vielleicht am revolutionärsten von allen – obwohl Embody derzeit ein Unternehmen mit einem gemeinnützigen Arm ist, plant Zimmerman, das gesamte Unternehmen schließlich als gemeinnützige Organisation zu führen.

Nur wenige hundert Menschen haben sich für die erste Convention von Embody angemeldet. Aber Zimmerman hofft, ein Modell zu pilotieren, das andere Ereignisse dann anpassen können. „Das ist nicht proprietär“, sagte sie. „Wir versuchen nicht, Geld damit zu verdienen, die Veränderung zu sein. ’ Ich möchte, dass alle nachziehen, damit wir in fünf Jahren nur noch eine Convention sind. ”

Diese Entwicklung könnte mehr als fünf Jahre dauern und erfordert die kontinuierlichen Bemühungen einer Koalition von Reformern. Jason Williams glaubt, dass es sich lohnt.

„Viele Leute haben mir gesagt: ‚Bist du sauer auf die Welt der Tanzwettbewerbe?‘“, sagte er. „Ich bin nicht böse darauf. Ich liebe es. Ich liebe all diese kreativen Leute, die dieses große Gumbo aus Tanz, Sport und Kunst machen. Und es ist meine Pflicht, als jemand, der es liebt, ihm mitzuteilen, dass es sich ändern muss. ”

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